Pour les amateurs d'art, la Galerie des Offices est l'attraction numéro un de Florence. Les touristes plus occasionnels, qu’ils visitent la galerie de façon indépendante ou lors d’une visite guidée, voudront au moins en voir les points saillants, y compris son œuvre la plus célèbre: La Naissance de Vénus de Botticelli. En dehors de sa taille, la chose la plus ahurissante à savoir avant de visiter la Galerie des Offices est qu'il s'agissait d'une collection privée d'une famille - et seulement d'une partie de celle-ci. Un art plus précieux est caché dans leurs autres palais et villas.

Au-delà des collectionneurs, les Médicis étaient de grands mécènes, et sans leur mécénat, nombre de ces œuvres n'auraient peut-être jamais été créées. À un moment donné de votre visite, arrêtez-vous pour remercier brièvement la femme qui a assuré que cette superbe collection - ainsi que les autres œuvres d’art Médicis - resteraient à Florence. Les collections ont été léguées à la ville par Anna Maria Ludovica von der Pfalz, la dernière héritière de la maison de Médicis, décédée en 1743. Elle a ensuite précisé qu'elles devaient rester à Florence.

La Galerie des Offices abrite l'une des plus importantes collections de peintures au monde. Outre l'art florentin et italien, il comprend également un grand nombre d'œuvres étrangères et de sculptures classiques. Son plus grand trésor est la collection unique de peinture florentine de la Renaissance, un élément essentiel de la contribution de cette ville à l'art européen. Ces œuvres d’entre environ 1300 et 1500 ouvrent la voie à tout l’art occidental qui a suivi.

Dans ce guide, vous trouverez les points saillants des trésors des Offices, en suivant le même ordre que les directives du musée. Les œuvres d'art sont présentées dans l'ordre chronologique en fonction de la date à laquelle elles ont été peintes, en commençant par la salle 2 du deuxième étage de la Galerie des Offices. Toutefois, au-delà de la salle 13, la galerie octogonale de la Tribune, les œuvres ne sont plus classées par ordre chronologique mais par écoles, régions et pays. Ils couvrent des œuvres d'environ 1500 à 1700.

1. La Madone de Cimabue intronisée et l'art toscan du XIIIe siècle

La salle 2 de l'Uffizi rassemble trois grandes madones datant d'environ 1300, illustrant les débuts de l'art toscan et l'un de ses premiers points forts. Ces trois tableaux, vus ensemble, constituent la meilleure introduction que vous puissiez demander, à la fois aux Offices et à l’art de la Renaissance. La Madone Enthroned de Cimabue (vers 1275) est encore entièrement dans la tradition byzantine de peindre la Vierge, qui ressemble à une statue, à l'écart de la réalité et entourée d'anges symétriques. Le Christ enfantin de Cimabue est vêtu comme un général romain et rien ne laisse présager d'échanges tendres entre mère et fils. En revanche, Madonna Enthroned (1285) de Duccio montre plus de mouvement, avec des couleurs douces et des lignes fluides, mais toujours aérienne et distante.

La première apparition d'une vision humaine et réaliste se trouve dans la Madone intronisée par Giotto (vers 1310). Le trône semble presque à portée de main, les personnages ont du poids et de la solidité, établissant un contact visuel les uns avec les autres et avec le spectateur. Giotto a été le premier artiste à représenter la Vierge en tant que femme dotée d'une présence physique. Même ses personnages mineurs sont animés et ont des expressions faciales différentes. Il se démarque des couleurs plus ternes de l'art byzantin, mais le fond reste l'or traditionnel. La réalisation la plus importante et la plus historique de Giotto a toutefois été sa composition. Il fut le premier peintre à créer un espace bien défini qui considère l'œil du spectateur, et sa composition pyramidale créa un modèle qui durerait des siècles. Le style plus personnel et réaliste de Giotto devait mener à une véritable renaissance de l'art. Dès lors, la peinture devient un art à part entière qui éclipse finalement la sculpture.

2. Annonciation de Simone Martini et Lippo Memmi (Art toscan du Xème siècle)

Les galeries suivantes montrent comment d’autres peintres ont changé d’anciennes normes. Bien que l' Annonciation (vers 1333) de l'artiste siennoise Simone Martini et de son beau-frère Lippo Memmi soit encore de style gothique, elle montre déjà la transition vers un nouveau réalisme. Le décor, avec ses tourelles et ses pignons, sonne à l'architecture gothique, mais le vêtement flottant de l'ange et la Vierge montrent beaucoup de raffinement et d'élégance. Les mouvements ont de la tendresse et de la sensibilité, mais les délicates images féminines sont encore presque éthérées.

Parmi les autres exemples siennois du XIVe siècle, citons Madonna in Glory (1340) de Pietro Lorenzetti, disciple de Giotto, et des scènes de la vie de Saint-Nicolas d'Ambrogio Lorenzetti, remarquables pour leurs tentatives d'utilisation de la perspective. Bernardo Daddi (décédé en 1348) et Taddeo Gaddi (décédé en 1366), dont les retables utilisent des couleurs délicates et des lignes douces et gracieuses pour montrer de façon plus réaliste les personnages et les décors florentins illustrés ici sont les suivants.

3. L'adoration des mages de Gentile da Fabriano

Le gothique a continué de dominer l'art au début du XVe siècle, mais bien que l'Adoration des mages de Gentile da Fabriano (1423) continue de véhiculer l'idéal gothique de la beauté, son souci du détail marque le début de la transition du gothique à la Renaissance. Vous pouvez également voir à l'arrière-plan, sous les arches du cadre richement orné du retable, les prémices d'une tentative de mise en perspective alors que la procession devient plus petite et disparaît presque à l'horizon. Ceci est considéré comme son chef-d'œuvre, et incarnation de la peinture gothique internationale.

Masaccio, un artiste contemporain de Fabriano, a révolutionné l'art de la perspective en créant trois dimensions sur une surface à deux dimensions. La Vierge et l'Enfant avec Sainte Anne de Masaccio (vers 1420), peinte avec Masolino, est l'une de ses premières œuvres. Il se classe aux côtés de Brunelleschi et de Donatello comme l'un des fondateurs de la Renaissance, une nouvelle expérience artistique en réalité, basée sur l'observation et l'enregistrement précis de la nature. Vous pouvez le voir dans le modelé en relief et la beauté naturelle réaliste des visages et des figures du retable de Masaccio.

Recherchez aussi le couronnement de la Vierge de Fra Angelico, moine dominicain contemporain de Masaccio et dont le concept religieux mystique de l’art le mène dans la direction opposée. Mais il innovait d'autres manières. Tandis qu'il utilise encore des fonds d'or et des figures drapées éthérées, les couleurs riches et l'arrangement circulaire des figures de Fra Angelico créent une perspective picturale unificatrice.

4. La Vierge et l'Enfant de Domenico Veneziano

Abandonnant l'ancienne convention d'un fond d'or pour un retable, dans cette œuvre de 1445, Veneziano porte la perspective à de nouveaux sommets en plaçant les saints harmonieusement en demi-cercle et accentue l'effet de profondeur par les motifs géométriques du marbre incrusté. Sa principale innovation est cependant venue en tant que maître de la lumière et de l’ombre réalistes. Ses fines nuances et ses nuances délicates étaient bien en avance sur les zones solides de couleurs vives utilisées par ses contemporains florentins. L'utilisation de la lumière et des couleurs par Veneziano a influencé le travail de Piero della Francesco, qui a souvent collaboré avec lui.

5. Portraits du duc et de la duchesse d'Urbino par Piero della Francesca

La peinture de portrait était un autre domaine d’activité de l’art de la première Renaissance - et un motif de satisfaction pour les clients. Les portraits du duc et de la duchesse d'Urbino, réalisés par Piero della Francesca vers 1465, en sont un bon exemple. Mais Piero ne flatte pas ses modèles, montrant le nez aquilin, les rides, les lèvres minces et la silhouette trapue du duc. Remarquez l'arrière-plan, un exemple rare de paysage de la première Renaissance.

La vierge à l'enfant de Filippo Lippi (vers 1460) ressemble plus à un art religieux que celle-ci, une jeune Marie élégamment vêtue avec deux anges souriants, une scène montrant l'affection et le contact visuel entre mère et enfant reflétant les interprétations sécularisées de thèmes religieux. La salle 9 présente d'énormes panneaux représentant les sept vertus de Piero del Pollaiolo. En fait, Piero n’en a peint que six, la septième est l’une des premières œuvres de Botticelli.

6. La naissance de Vénus par Botticelli

Ce qui vous amène à l'âge d'or de Florence et à l'une de ses étoiles les plus brillantes, Botticelli. Les patriciens florentins s’intéressaient énormément à la littérature et à la philosophie classiques, comme le faisaient remarquer les œuvres les plus célèbres de Botticelli, Birth of Venus et Primavera, toutes deux commandées par un Médicis. Dans la naissance de Vénus (1482/1483), Botticelli associe la pensée classique et chrétienne en termes d'idées de la Renaissance, en tant que renaissance de l'esprit issu de la mythologie classique et de la théologie chrétienne. Il peint un nu féminin à l'image d'une statue de la déesse de l'amour Vénus et implique un baptême chrétien (comme le Christ est baptisé dans le Jourdain). Comparez cette pensée florentine avec l'enterrement du peintre flamand Rogier van der Weyden (vers 1450) et le retable portinari d'Hugo van der Goes, tous deux réunis dans la même pièce, pour apprécier à quel point ces idées florentines différaient de celles de l'Europe du Nord. Là, un nu serait impensable et les personnages sont dissimulés dans une draperie.

Botticelli a peint le retable Adoration of the Magi vers 1475, alors qu'il avait environ 30 ans. La commission comprenait notamment des membres de la famille des Médicis et leurs associés. Il a organisé le groupe en une pyramide avec la sainte famille à son apogée, au-dessous d'eux les trois rois - les trois plus hauts médicis - et au-dessous, par ordre de rang, plus les Médicis et leurs amis. Le thème actuel semble être relégué au second plan, servant davantage de prétexte à une magnifique représentation des Médicis et de leurs partisans.

7. L'annonce de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci a vécu à une époque de découverte scientifique qui remettait en cause les récits bibliques en tant que seul modèle pour expliquer l'univers. Un des traits principaux de son travail, qu’il s’agisse de peinture ou de sculpture, a été d’intégrer la nature dans son travail de manière à rendre plus crédibles les thèmes religieux mystiques dans un monde qui prend rapidement conscience de la science. Dans ses premiers travaux, il montre les ailes de l'ange comme des ailes d'oiseaux réalistes recouvertes de plumes.

Léonard capte également avec sensibilité l'atmosphère de son temps dans l' Adoration des mages (1481). Au centre de cette image inachevée, la Vierge et l’enfant apparaissent comme une influence stabilisatrice, entourés d’une masse démesurée de personnes qui accueillent la naissance avec émerveillement et émerveillement ou avec doute et peur. Au lieu d'un conte folklorique, la Nativité acquiert une nouvelle dimension de la rédemption mondiale.

La salle 16 est la dernière de la première partie de la visite de la Galerie des Offices, consacrée à l’art florentin et toscan de 13 h à 15 h, principalement par ordre chronologique. L'art de la fin de la Renaissance italienne suit à partir de la salle 25, rangés selon les écoles de peinture.

8. La tribune

Au centre de la magnifique Tribuna octogonale , en soi une œuvre d'art, se trouve la Vénus Médicis, la sculpture en marbre classique la plus célèbre de Florence et considérée comme une version grecque tardive de l'Aphrodite de Cnide de Praxiteles. Sur les murs, des portraits maniéristes de la famille Médicis datant du milieu des années 1500, les plus remarquables de Pontormo, Bronzino et Vasari. Pietro Perugino, élève de Verrocchio et professeur de Raphaël, est représenté par Madonna avec des saints et divers portraits montrant son réalisme en trois dimensions et ses couleurs adoucies qui ont ouvert la voie à l'art classique de la Haute Renaissance. De même, la turbulence et la couleur du style de Luca Signorelli, comme vous le verrez, sa Sainte Famille ( vers 1495) et Madonna and Child, en revanche, montrent beaucoup plus de turbulence et de mouvement, une influence sur le jeune Michel-Ange.

9. Adoration des mages d'Albrecht Dürer

Au moment même où Florentine et d'autres peintres italiens changeaient le monde de l'art, les artistes allemands entraient dans leur propre Renaissance, comme vous le verrez dans les chefs-d'œuvre d' Albrecht Dürer. Dans Adoration des mages (1504), Dürer montre sa compréhension de la perspective et des jeux de lumière dans le drapé des vêtements. Il utilise des couleurs vives de premier plan pour renforcer l'illusion de perspective. Comme d’autres artistes allemands et d’Europe du Nord, il inclut une multitude de détails et s’efforce de réaliser un réalisme méticuleux. L'artiste de Nuremberg est également représenté par sa Vierge à l'enfant (1526) et par l'une de ses plus anciennes œuvres encore existantes, Portrait du père (1490).

Parmi les œuvres de l'artiste allemand Lucas Cranach figurent son portrait de Martin Luther et de sa femme Katharina, un autoportrait, un impressionnant Melanchthon et un Adam et Eve plutôt érotiques. La peinture vénitienne, caractérisée par une couleur douce et une lumière équilibrée, est représentée par l'allégorie religieuse de Giovanni Bellini (vers 1485) et par le Portrait d'un cavalier maltais de Giorgione. Les œuvres religieuses d’Antonio Allegri, plus connu sous le nom de Correggio, représentent également l’art de la Haute Renaissance en Italie du Nord. Leurs compositions diagonales, leurs effets de lumière et leurs profondeurs inhabituelles ont eu une influence durable sur la peinture baroque.

10. La Sainte Famille de Michel-Ange et la Haute Renaissance

La Sainte Famille de Michel-Ange (1504/1505), connue sous le nom de Doni Tondo, est dépourvue de tout sentiment religieux. La famille apparaît comme si elle avait été sculptée dans un bloc et montrait le solide passé de Michel-Ange en sculpture. Dans ce tableau, vous verrez des traces de son chef-d'œuvre sur le plafond de la chapelle Sixtine à la profusion de figures nues et de couleurs vives et irisées. L'année de la mort de Raphaël (1520) marque le début du maniérisme, la phase tardive de la Renaissance qui durera jusqu'en 1600 environ. Elle s'éloigne des styles classiques pour inclure des formes et des couleurs artificielles, illustrées par la composition presque à deux dimensions de Moses Defending de Rosso Fiorentino. les Filles de Jéthro (1523), dont les figures semblent irréelles, presque comme des poupées articulées.

Parmi les trois œuvres importantes de Raphaël de cette même période figurent un autoportrait (vers 1506), sa charmante Vierge Marie avec le chardonneret et le pape Léon X avec les cardinaux Giulio de Médicis et Luigi deRossi. Raphaël décrit le pape comme un individu et un intellectuel, pas simplement comme un dirigeant puissant. La Madone aux harpies d'Andrea del Sarto, retable monumental typique de l'art florentin de la Haute Renaissance, allie la technique douce de Raphaël à la monumentalité de Michel-Ange et aux qualités atmosphériques de Léonard de Vinci. Le maniérisme était la transition du XVIe siècle entre la Renaissance et le baroque, turbulente et pleine de mouvement, qui déformait la réalité et interprétait mystiquement la piété. Dans Le Dîner de Jacopo da Pontormo à Emmaüs (vers 1525), ses professeurs, Léonard de Vinci et Andrea del Sarto, ont été influencés par l'inspiration de l'œuvre de Raphaël et de l'art monumental de Michelangelo.

Parmi les œuvres du grand peintre vénitien Titien figurent Vénus d’Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Vénus et Cupidon (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, duc d’Urbino et La Flora, l’un de ses plus beaux portraits de les femmes . Vénus d’Urbino est particulièrement intéressante car Titian utilise les nuances de rouge pour rapprocher les différentes parties de l’image en diagonale. Girolamo Francesco Maria Mazzola, dit Parmigianino, a été influencé tour à tour par le Corrège, la Haute Renaissance romaine et le Maniérisme . Madonna with the Long Neck, peinte entre 1534 et 1540, est un bon exemple de distorsion maniériste, avec ses figures allongées et sa lumière étrange.

11. La Sainte Famille de Véronèse avec Sainte Barbara

Si vos yeux ne sont pas encore vitrés, regardez dans les galeries restantes, qui contiennent une variété de chefs-d’œuvre, notamment plusieurs d’artistes vénitiens. La Sainte Famille de Paolo Veronese avec Sainte Barbara reflète l'opulence de Venise dans ses tons dorés et la riche tenue du saint. Les figures réalistes et les visages expressifs sont typiques des peintres vénitiens. L'annonce de Véronèse et le martyre de Sainte Justine ainsi que le Portrait d'un homme du Tintoret se trouvent également dans cette galerie. Dans la salle suivante se trouvent plusieurs autres œuvres du Tintoret. Cherchez aussi Head of a Youth de Lorenzo Lotto (1505).

Van Dyck et certaines des plus belles œuvres de Rubens figurent dans les galeries suivantes: Henri IV à Ivry et Henri IV à l'entrée de Paris, Isabella Brandt et l'entrée de Ferdinand d'Autriche à Anvers. Dans la salle Niobé, recherchez la plus belle sculpture classique de Florence après la Vénus Médicis, le vase Médicis du IIe siècle av.

12. Portraits de Rembrandt

Tout au long de sa carrière, qui coïncide avec l'âge d'or de la peinture hollandaise, Rembrandt peint une série d'autoportraits, dont deux sont montrés dans la Galerie des Offices. Tandis qu’il enregistre les changements survenus entre le jeune homme confiant et le peintre âgé, il enregistre également son parcours d’artiste. On y voit son portrait d'un vieil homme, peint à peu près au même moment que son autoportrait ultérieur.

Regardez aussi ici les œuvres de Caravage, notamment ses jeunes Bacchus, Medusa et Le Sacrifice d’Isaac. Le réalisme saisissant de ces deux dernières œuvres est intensifié par le brillant sens du drame lié à l'utilisation de la lumière et de l'ombre par Caravaggio.

Conseils et visites: Comment tirer le meilleur parti de votre visite à la Galerie des Offices

• Visites de la Galerie des Offices: Visiteurs sur une coupe de file: Florence La Galerie des Offices peut contourner les longues files d'attente pour voir tous les faits saillants et en apprendre davantage sur les artistes et leurs œuvres avec un guide expert en arts. La visite à pied d'une heure et demie est disponible l'après-midi toute l'année, le matin et le soir en été. Le billet vous permet de rester après la visite pour explorer à loisir. Évitez les files d'attente: Florence Uffizi Gallery Les billets vous permettent de contourner les lignes et d'explorer la galerie à votre rythme, sans guide. Une autre option consiste à combiner la Galerie des Offices avec les autres grandes galeries d'art lors d'une visite guidée Coupe du fil: Florence Accademia et Galerie des Offices, en passant une heure et demie dans chaque musée avec un guide expert en arts. Une visite à pied se fait le matin, l’autre l’après-midi, en contournant à chaque fois les files d’attente.
• Visiter la Galerie des Offices à votre guise: Même si vous pouvez vous attendre à des files d’admission très longues du printemps à l’automne, les plus longues durent le week-end, le mardi et le matin. Si vous n'avez pas réservé vos billets à l'avance, vous pouvez parfois les acheter à la billetterie du musée de l'église d'Orsanmichele (fermée le dimanche). Ils peuvent ne pas en avoir, mais ça vaut le coup d'essayer. Des visites audio sont disponibles, mais le petit guide vendu à l'entrée est plus détaillé.

Adresse

• Piazzale degli Uffizi 6 (près de la piazza Signoria), Florence